Les 15 meilleurs films d'Humphrey Bogart classés

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PAR  GINO ORLANDINI / 25 JANVIER 2022 19 H 54 HNE

Comparé aux stars d'aujourd'hui, Humphrey Bogart avait l'air différent. Il parlait différemment. Ce n'était pas un homme de cette époque, qui traque pour une star née dans les années 1800. Les riches membres de la famille new-yorkaise de l'icône étaient des descendants directs des premiers colons néerlandais de la ville et ont accueilli le bébé Bogie dans le monde le jour de Noël 1899.

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Comme beaucoup d'acteurs, Bogart a débuté à Broadway. Il a fait ses débuts sur scène en 1921, jouant un serveur japonais qui n'avait qu'une ligne, selon l' Associated Press . Au cours des années 1930, il deviendrait un acteur respecté, mais il lui a fallu 20 ans pour décrocher le rôle qui a changé l'histoire du cinéma : Sam Spade dans le film de John Huston de 1941, "The Maltese Falcon".

Après cela, Bogart est devenu un genre à lui tout seul. Alors que sa carrière a été écourtée lorsqu'il est décédé d'un cancer de la gorge en 1957 à l'âge de 57 ans - sa quatrième épouse, l'actrice Lauren Bacall, lui a survécu près de 70 ans - avant cette fin tragique, l'acteur a réalisé plus de 80 films, dont de nombreux classiques. Bogart incarnait l'Americana de son temps. Ses héros étaient des durs à cuire avec des âmes sombres mais incorruptibles. Son ascension a coïncidé avec la Seconde Guerre mondiale et a incarné le caractère d'un pays qui a résisté aux nazis. Il est un peu plus âgé que cette plus grande génération, mais cela l'a gardé sur le front intérieur, où il a joué des avatars pour les vertus américaines robustes, et ses meilleures œuvres sont des capsules temporelles qui préservent la façon dont son pays se voyait à son heure la plus triomphante.

15. Passage sombre

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Curieusement, l'acte d'ouverture de "Dark Passage" de 1947 est tourné à la première personne, presque comme un jeu vidéo. Le jeu d'acteur stylisé des films des années 1940 aggrave l'effet de manière hilarante, alors que les personnages parlent directement à la caméra et se déplacent avec raideur comme des robots de "Grand Theft Auto". Vous vous attendez à moitié à entendre : "Puis-je vous aider à vous évader de prison et à retrouver votre réputation ?"

Dans ce film noir mélodramatique, Humphrey Bogart incarne un meurtrier reconnu coupable, Vincent Parry, qui s'évade de San Quentin. Au moment où il goûte à la liberté, Lauren Bacall l'envahit. Elle pense que son propre père a également été condamné à tort pour meurtre et est déterminée à aider.

"Dark Passage" est le seul film si mauvais qu'il soit bon sur cette liste. Après que Parry ait subi une chirurgie plastique pour échapper à la capture, le film passe à une perspective conventionnelle, mais comme nous n'avons pas les yeux sur le rôle principal légendaire avant le troisième acte, Bogie est coincé pour ressembler exactement à Bogie. L'histoire n'en devient que plus absurde à partir de là. Ce film est une encapsulation amusante des tropes sinueux du noir et l'une des pièces les plus drôles de la satire accidentelle de l'ère du studio.

14. Les heures désespérées

Paramount Pictures

En 1978, "Halloween" a suscité beaucoup d'intérêt pour avoir introduit un slasher de films d'horreur dans une banlieue ordinaire, mais en 1955, Humphrey Bogart a apporté une terreur criminelle plus plausible à une famille nucléaire confortable et à leur maison somptueuse dans "The Desperate Hours".

Dans ce film sans faille, Bogart n'est pas un voyou adorable. L'acteur vieillissant incarne Glenn Griffin, un évadé de prison en fuite. Lui et deux complices impitoyables se cachent dans la maison d'une famille idyllique alors que le trio attend une livraison d'argent. Il s'agit de l'avant-dernier film de Bogart et présente son méchant le plus impénitent depuis qu'il a joué un gangster en fuite 20 ans plus tôt dans "The Petrified Forest". Griffin n'a rien de bon en lui. Il est plein de rage contre cette famille de la classe moyenne supérieure et met les choses en désordre dans leur sanctuaire du milieu du siècle immaculé.

Le concept du film a été qualifié de "pas entièrement original" par le New York Times en 1955. Peut-être n'est-il pas nouveau, mais étant donné que le début de la carrière de Bogart est survenu dans les années 1940, il n'a réalisé qu'une poignée de films tournés dans un cristal- rapport d'aspect grand écran clair. C'est agréable d'avoir un regard net sur la légende qui passe à 4k, ne serait-ce que pour se rapprocher de sa stature dans les grands palais du cinéma de son apogée.

13. Key Largo

Warner Bros.

En 1948, Humphrey Bogart s'associe à sa quatrième épouse, Lauren Bacall, pour leur quatrième et dernière collaboration, "Key Largo". John Huston, l'autre partenaire créatif définitif de Bogie, met en scène la star au visage rocailleux et Bacall au visage frais jouant des invités piégés dans un hôtel de Floride lors d'un ouragan qui sont pris en otage par un gangster menaçant nommé Johnny Rocco (Edward G. Robinson).

Les films où un ensemble de stars se cachent pendant une tempête pourraient être un genre à part entière. À tout le moins, c'est une excellente configuration pour créer une atmosphère tendue. Le scénario de "Key Largo" a été adapté d'une pièce de Maxwell Anderson. En tant que tel, c'est une histoire axée sur le dialogue qui a inspiré un autre réalisateur célèbre, Quentin Tarantino, lorsqu'il a écrit "The Hateful Eight", qui présente également un scénario claustrophobe dans lequel des étrangers attendent une tempête dans des quartiers exigus.

"Key Largo" fait bouillir la tension alors que la nature sadique de Rocco est exacerbée par son ennui. Le personnage de Bogart, Frank McCloud, est un ancien soldat et, avec les encouragements du temple Nora de Bacall, il doit décider du degré d'intimidation qu'il va subir de la part de ce petit voyou sale. Soulever notamment le courage du groupe est un senior handicapé joué par le grand-oncle de Drew Barrymore, Lionel Barrymore, l'homme qui deux ans plus tôt a dépeint l'avare M. Potter dans "It's A Wonderful Life". Si les films qui sont mis en scène comme des pièces de théâtre et tournés presque entièrement sur le terrain de Warner Brothers ne vous dérangent pas, la distribution stellaire et la finale passionnante font que "Key Largo" vaut le détour.

12. Sabrine

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Un Humphrey Bogart vieillissant (54 ans) a affronté ses co-stars beaucoup plus jeunes Audrey Hepburn (24 ans) et William Holden (35 ans) sur le tournage de "Sabrina" en 1954. Hepburn et le marié Holden avaient une vraie liaison, et soudain Bogart « ne se sentait pas sûr de lui », selon le livre « Audrey et Bill » (via Mail Online ).

Le fumeur à la chaîne Bogart porte un toupet pour le rôle, et contrairement à de nombreux acteurs modernes, il a l'air de ses années. Le film parle d'un triangle amoureux entre les trois stars, mais l'écart d'âge était si grand que l'équipe a affirmé que Bogie "avait l'air assez vieux pour être le grand-père d'Audrey". Pour éviter une partie de la maladresse de mai à décembre, une grande partie de cette comédie amusante à vis est extrêmement alambiquée, apparemment pour séparer Hepburn et Bogart.

Bogart joue Linus, le fils aîné dévoué d'une famille patricienne qui vit dans un domaine Gatsby-esque. C'est le seul film de l'icône avec Hepburn, qui joue la titulaire Sabrina, la fille fougueuse de son chauffeur. Elle n'a d'yeux que pour le beau fils cadet trois fois marié, David, joué par Holden. Les frères ont des raisons très différentes de courtiser Sabrina, mais la tension romantique du film tombe à plat, peut-être parce que Hepburn était en fait amoureux de sa co-star. Mais ce n'est pas seulement l'intrigue du palais qui fait de "Sabrina" un incontournable ; il y a des scènes vraiment drôles et le film a un style d'époque à la pelle.

11. Sahara

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La carrière d'Humphrey Bogart a décollé au moment même où la Seconde Guerre mondiale atteignait son crescendo. De même, le dur à cuire qui parle vite a finalement dû passer des personnages adjacents au conflit dans des films comme "Casablanca" aux héros de vrais films de guerre. Dans « Sahara » de 1943, le célèbre courage robuste et clair de Bogart fait de lui le soldat parfait.

Le film s'ouvre sur une note selon laquelle un bataillon de chars américains a rejoint les Français en Afrique, combattant les forces allemandes pour acquérir une certaine expérience de combat. Bogart est un sergent de char, mais quand lui et sa pièce d'artillerie crépitante sont encerclés, son équipage ramasse des traînards français. Cette nouvelle compagnie mixte doit naviguer dans une périlleuse retraite tactique pour pouvoir reprendre le combat.

Alors qu'ils naviguent sur le chemin, Bogart ramasse encore plus d'hommes : un caporal soudanais et un Italien capturé. Avec les Britanniques, les Français et les Américains à bord, ce char représente une coalition très globale contre la menace nazie, qui est principalement réservée pour l'apogée palpitante ; la préoccupation la plus pressante est la chaleur incessante du désert. Dans ce remarquable film de guerre empreint de nostalgie de l'époque, une confrérie hétéroclite d'alliés s'attaque à l'ensemble d'un monde inhospitalier.

10. La forêt pétrifiée

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Il faut admirer le cinéma de studio des années 1930. "The Petrified Forest" de 1936 se déroule en grande partie dans le désert de l'Arizona, mais se déroule entièrement à l'intérieur d'une scène sonore Warner Brothers.

Jusqu'à récemment, les films hollywoodiens nécessitaient des conditions constantes et extrêmement lumineuses. Les peintures mates qui remplacent le cadre austère sont magnifiques, en particulier par rapport aux ensembles d'écrans verts modernes qui simulent le réalisme mais semblent d'autant plus faux pour leurs efforts. Le film est adapté d'une pièce de théâtre de Broadway et la mise en scène artisanale capture l'esprit de la scène. La suspension de l'incrédulité dépend de vous, et ce thriller policier récompense rapidement l'effort.

L'intrigue suit une auto-stoppeuse européenne sans le sou (Leslie Howard) qui rencontre une fille courageuse d'une petite ville avec de grands rêves, interprétée par Bette Davis. Il a quitté la grandeur de l'ancien monde pour une rude aventure américaine et réalise son souhait lorsqu'il rencontre un gangster impitoyable en cavale, interprété par Humphrey Bogart. Avant que Bogie ne soit un homme de premier plan, ces rôles de personnages étaient le créneau de l'acteur. Bogart est quelque peu sous-utilisé, mais ce drame intime, qui se déroule presque entièrement dans une station-service rurale, était si convaincant qu'il plongea l'acteur et ses yeux tristes dans les rôles qui ont mis son nom sur le Hollywood Walk of Fame.

9. Le grand sommeil

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"The Big Sleep" de Howard Hawks, sorti en 1946, est basé sur le roman du légendaire écrivain policier invétéré Raymond Chandler. L'histoire est si alambiquée que pendant le tournage, Hawks a contacté l'auteur pour clarifier un point de l'intrigue; Même Chandler n'était pas sûr de ce qui s'était passé, note The Guardian . Les néo-noirs comme "The Usual Suspects" ont aussi des intrigues sinueuses, mais, contre toute attente, ils sautent prestement pour rendre l'exposition claire. Mais ici, le double langage moteur de Humphrey Bogart est votre seul guide pour la longue liste de suspects qui font avancer le mystère.

C'est aussi la deuxième sortie de Bogart avec Lauren Bacall, après "To Have or Have Not". La chimie à l'écran du duo n'est pas un mystère. Bien que Bogart ait 45 ans et Bacall 20 ans (par biographie ), ils se sont mariés trois mois après la fin du tournage.

L'expression "le grand sommeil" est un euphémisme de gangster pour la mort. À juste titre, ce film combine des éléments de film noir avec les films de gangsters des années 30. Bogart joue le détective privé emblématique de Chandler, Phillip Marlowe , qui est embauché pour aider une jeune femme à résoudre une dette de jeu et est entraîné dans un complot labyrinthique de chantage et de meurtre si notoirement déroutant qu'il reste une question ouverte de savoir si le film a réellement un sens. Mais les romans de Chandler ont toujours été plus une question d'humeur que le puzzle sous-jacent, si confus dans ce classique essentiel.

8. Plus ils tombent

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En 1956, Humphrey Bogart sort son dernier film, "The Harder They Fall". Il est décédé sept mois plus tard, selon le New York Times . La star frappée manque de son dynamisme habituel, mais si Bogart ne se sentait pas bien, il l'a canalisé dans la performance naturaliste la plus discrète de sa carrière. Dans le film, il s'agit d'Eddie Willis, un écrivain sportif new-yorkais qui devient le promoteur d'un espoir de boxe poids lourd avec la stature d'un dieu grec, mais la puissance de frappe d'une salade grecque.

Willis justifie de devenir un arnaqueur de combats pour ce tigre de papier avec l'une de ses réflexions de rue emblématiques. "L'argent, c'est de l'argent", dit-il. "Qu'importe où vous l'obtenez?" Mais, il s'avère que la corruption est une pente glissante. De plus, Willis a un défaut crucial en tant que promoteur : une conscience. Dans cette pièce de moralité, cette faiblesse lui coûtera presque autant que sa cupidité. 

Dans le meilleur film de boxe, "Raging Bull" de Martin Scorsese, Jake LaMattoa ne peut pas obtenir de titre car il ne pliera pas le genou pour la foule qui régnait autrefois sur la science douce . La chose sombre à propos de "The Harder They Fall" est qu'il n'y a pas de gangsters dans les coulisses – juste des comptables impitoyables en costume, organisant habilement le crime. Ce n'est pas le meilleur film de Bogart, même s'il est très beau. Il contient cependant de loin sa meilleure performance, ce qui en fait un envoi approprié comme sa dernière sortie sous les lumières brillantes du studio.

7. Avoir et ne pas avoir

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"To Have or Have Not" de 1944 est sorti deux ans après "Casablanca" et pourrait tout aussi bien être une préquelle. Situé juste avant les événements de son célèbre prédécesseur, tous les éléments sont là : la Seconde Guerre mondiale, les Français, une mystérieuse dame, un bar chic avec un pianiste qui prend les commandes, et Bogart, qui dirige une entreprise locale tout en essayant désespérément d'apparaître. neutre face au fléau nazi.

C'est aussi le premier film de Lauren Bacall, mais elle n'agit pas comme ça. Ici, elle succède à Ingrid Bergman en tant qu'amoureuse de Bogart. Les deux ont commencé une véritable histoire d'amour dans les coulisses et se sont mariés un peu plus d'un an plus tard.

Basé sur un roman d'Ernest Hemingway, "To Have or Have Not" de Howard Hawks a été réalisé lorsque les "frères Warner", comme Variety les appelait en 1943, dirigeaient encore le studio. Le film a été tourné en dérision comme une copie "Casablanca", mais est quand même devenu un grand succès. Visuellement, c'est un film noir, mais ce n'est pas tout. Il existe une relation touchante entre Bogart et son acolyte "rami", une figure alcoolique mais avunculaire qui commande la loyauté de Bogart sans aucune raison intéressée. 

Le rôle classique de Bogart est l'anti-héros américain qui est si vraisemblablement corrompu qu'il convainc ses interlocuteurs souvent européens que le nouveau monde est le même que l'ancien. "Casablanca" et ce film sont des allégories de l'implication des États-Unis dans la Seconde Guerre mondiale et reflètent l'optimisme de l'époque quant à la vertu impitoyable du personnage américain.

6. La reine africaine

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La seule victoire d'Humphrey Bogart aux Oscars était pour "The African Queen" de 1951. Dans cette adaptation du roman CS Forester du même nom, Bogart joue un capitaine de bateau fluvial ivre en Afrique au moment même où la Première Guerre mondiale éclate. Katharine Hepburn est une missionnaire anglaise boutonnée qui vit avec son frère, chantant des hymnes aux indigènes. Lorsque les soldats allemands tuent son frère, il est clair que la guerre arrive en Afrique, et la force de personnalité de Hepburn convainc le col bleu de Bogart de s'enfuir.

À partir de là, une version légère de "Heart of Darkness" se déroule alors que le missionnaire et le marin ivre, le couple étrange ultime, doivent naviguer sur cette rivière impossible - et leurs sentiments improbables l'un pour l'autre.

Les films d'aventures romantiques fonctionnent rarement. Après seulement deux heures de temps d'écran, vous devez en quelque sorte vous sentir nostalgique du voyage périlleux, des événements que vous avez vus se dérouler il y a seulement quelques minutes en temps réel. Heureusement, la direction de John Huston et les performances de Bogart et Hepburn vous plongent dans cet espace de tête. 

Les films de cette époque sortaient enfin du studio pour entrer dans le monde réel. Ce film a en fait été tourné en grande partie en Afrique (via The Guardian ), et les lieux réels sont un énorme bond en avant pour un film qui ne cesse de bouger. De nombreux films ultérieurs, dont "Indiana Jones et le temple maudit" et "Romancing The Stone", tentent de capturer la même magie, mais ne parviennent pas au simple plaisir de cette audacieuse croisière en aval.

5. Le trésor de la Sierra Madre

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Dans "Le Trésor de la Sierra Madre" de John Huston, Humphrey Bogart joue Dobbs, un joueur compulsif dans les années 1920 au Mexique sur une sérieuse séquence de froid. C'est alors qu'il rencontre un vagabond aux vues similaires nommé Curtin (Tim Holt) et un vieux prospecteur, Howard, joué par le père du réalisateur John Huston, Walter. "Je sais ce que l'or fait à l'âme d'un homme", prévient Howard, mais les trois ignorent cette préfiguration et partent dans la nature sauvage du désert mexicain à la recherche de leur fortune.

Cette étude de la cupidité a également remporté l'or aux Oscars , avec une nomination pour le meilleur film en 1949. Walter Huston a remporté l'Oscar du meilleur acteur dans un second rôle, tandis que John Huston a gagné pour la réalisation et pour l'adaptation du roman de 1927 de B. Traven.

Le film montre que Dobbs et Curtin ont gagné leur malchance. Ils sont stupides, négligents avec l'argent qu'ils ont et se moquent d'Howard au premier signe de travail acharné, même s'il les dépasse facilement. Quand ils deviennent riches, les soupçons grandissent rapidement. Le virage aux yeux verts de Dobbs est particulièrement brutal et pas totalement justifié par le scénario, mais il suit un cours simple : plus il se rapproche de la richesse, plus sa paranoïa et son avarice rendent cela impossible.

4. Dans un endroit solitaire

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Humphrey Bogart et Alfred Hitchcock n'ont jamais travaillé ensemble, mais "In a Lonely Place" des années 1950 est le thriller le plus manifestement hitchcockien de l'acteur , avec des clins d'œil à des films comme "Rope". Bogart joue un scénariste hollywoodien à moitié délavé avec un tempérament à couper le souffle et un nom hilarant et phallique : Dixon Steele. Ce goujat talentueux mais troublé de Tinseltown devient le suspect évident lorsqu'il ramène à la maison une fille de vestiaire qui finit par être assassinée.

Steele traite le fait de devenir le principal suspect d'un meurtre violent comme une blague, et l'imperturbabilité caractéristique de Bogart se lit soudainement comme l'insensibilité d'un tueur. Un héros de film noir a toujours des défauts, mais généralement, les mauvais garçons de Bogart ne maltraitent pas les femmes. Il les intrigue, flirte avec eux, leur verse des boissons et allume leurs cigarettes. Il va même tendre la main à la bonne fille - après s'en être plaint. Les meilleurs personnages de Bogart sont des hommes bons désireux de garder secrètes leurs vertus les plus galantes. Ils font seulement semblant d'être impitoyables.

Une décennie après le début de l'acteur, "In A Lonely Place" menace d'inverser cette formule. Il joue de manière passionnante avec les attentes créées par le personnage à l'écran de la star pour créer une tension dans une histoire d'amour sombre et sinueuse, qui a sûrement poussé le code Hays à sa limite.

3. Le faucon maltais

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Le pop art américain est le grand art américain. La rébellion qui a fondé le pays a établi un ethos indélébile qui imprègne toutes les mythologies de la nation. Nulle part en dehors de la Constitution actuelle cet esprit n'est plus ancré que dans les films de l'âge d'or d'Hollywood. Cela signifie qu'il se passe quelque chose de plus profond dans cette histoire policière sinueuse qu'une recherche d'une statue manquante.

"The Maltese Falcon" de Dashiell Hammett a d'abord été publié sous forme de feuilleton dans le pulpeux périodique hebdomadaire "Black Mask". Le magazine a été créé pour subventionner le magazine littéraire plus intello de l'éditeur , "Smart Set". Mais, bien sûr, ce sont les histoires de détective granuleuses qui ont duré.

"The Maltese Falcon" de 1941 a fait à la fois Humphrey Bogart et le réalisateur John Huston des institutions hollywoodiennes. La cinématographie emblématique d'Arthur Edeson, inspirée de l'expressionnisme allemand, a plus ou moins inventé l' esthétique du noir ténébreux . Bogart joue le détective privé Sam Spade, un anti-héros américain par excellence. Les IP sont les cow-boys urbains chevaleresques de l'époque. Comme les figures antérieures de la tradition révolutionnaire, un groupe qui comprend tout le monde, de George Washington aux bandits armés à chapeau blanc de l'Ouest américain, ils opèrent juste en dehors de la loi. C'est ce qu'il faut pour trouver la marchandise. 

Dans le film, Spade se heurte à un chasseur de trésors européen loquace et doit déjouer cette figure malhonnête et rondelette de la décadence continentale. Aussi maigre et méchant que le nouveau monde qu'il incarne, les fioritures rapides de Bogart imitent la corruption de ses adversaires, mais il ne triomphera que si des idéaux plus élevés restent son guide.

2. La mutinerie de Caïn

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Dans "The Caine Mutiny" de 1954, Bogart incarne un capitaine de la marine de la Seconde Guerre mondiale qui prend le commandement d'un navire en lambeaux dont le code de conduite est tombé sous la ligne de flottaison. Mais, lorsqu'il s'avère que c'est vraiment le capitaine qui n'est pas en état de naviguer, l'équipage est confronté à un dilemme de vie ou de mort.

Tous les grands navires sont des sociétés en soi, et "The Caine Mutiny" est une étude du pouvoir à bord d'un fief flottant. Le commandant Queeg de Bogart pense que les règlements militaires et ses propres caprices erratiques devraient régner, mais c'est un empereur sans vêtements. En temps de guerre, il est difficile de survivre à ce niveau de détachement de la réalité.

"The Caine Mutiny" est un drame de guerre tendu, pas une épopée. L'histoire est terriblement centrée et le film présente la meilleure performance de Bogart en tant que méchant tragique plus grand que nature. Soyez averti, cependant, que ce film fantastique peut vous chagriner le cœur pour la façon dont ce CGI bâclé a vidé le genre. Le film déploie de manière experte une utilisation subtile de miniatures, d'effets mats et de panoramas épiques filmés sur de véritables navires de guerre américains titanesques . Mais ce qui commence comme un film de guerre évolue en une salle d'audience tendue. Si vous avez aimé "A Few Good Men" mais que vous avez toujours voulu voir ce qui a conduit à ce code rouge, "The Caine Mutiny" fera flotter votre bateau.

1. Casablanca

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"Casablanca" de 1942 est peut-être le meilleur film jamais réalisé, mais il vaut mieux le considérer comme la plus grande réalisation de l'âge d'or d'Hollywood.

Cela ne veut pas dire que c'est parfait. Bogart joue Rick, un expatrié américain au franc-parler qui dirige un bar chic dans la ville portuaire nord-africaine de Casablanca, l' inspiration pour le port spatial Mos Eisley dans "Star Wars". Rick est un ancien combattant de la liberté devenu homme d'affaires intéressé dans cette misérable ruche d'écume et de méchanceté. L'incandescente Ingrid Bergman joue la femme qui l'a fantôme des années plus tôt. Quand elle se présente pour échapper aux voyous d'Hitler, Rick refuse et pousse un grand cri à ce sujet. Le dur à cuire emblématique ne lèvera pas le petit doigt contre l'occupation nazie parce qu'une fille l'a un jour blessé.

Ce défaut déroutant dans la façade de dur à cuire de Rick n'est cependant que son dilemme. Après tout, il doit refuser son appel initial à l'action sous un prétexte, et si vous pouvez regarder à travers les couches de gaze de soie recouvrant l'objectif pour avoir un regard net sur Bergman, peut-être que la déception de Rick n'est pas si farfelue. De plus, le travail de Rick est d'incarner la neutralité américaine. Ce film a été réalisé en 1942, deux ans avant le jour J, et la réticence de Rick remplace les instincts isolationnistes initiaux de l'Amérique. Lorsque notre héros décide enfin de rejoindre le combat, c'est le début de quelque chose de très beau en effet.

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